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07/06/2014
Nelson Lehmann, Director de La Máxima Felicidad
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Proyectos en Ebullición, A.C. e Image Producciones, C.A., se unen para presentar el montaje de la obra "La Máxima Felicidad", de Isaac Chocrón, en el Espacio Creativo del Teatro Santa Fe. Antes de entrar a la función de estreno, ya comentada para mis seguidores, tuve el placer de entrevistar a su director y profundizar en su propuesta escénica. Una entrevista exclusiva intensa, comprometida y muy didáctica en sus informaciones.
Por. Julio C. Alcubilla B.
Mail: julio.c.alcubilla@gmail.com;
teatroencritica@gmail.com
Twitter: @editorglobal
Telf. +0412-200.53.90 (Venezuela)


¿Cómo lograr la cohesión del triángulo teatral en ésta obra de Isaac Chocrón, para lograr que esa atmósfera anecdótica, de una a la sociedad que se niega a comprender la bisexualidad, la enfrenta y no la acepta?
"En primer lugar debemos reconocer que Isaac Chocrón era de mente muy amplia, un gran creador, un pensador de ideas inimitables. La Máxima Felicidad, basándome en tu pregunta, refuerza en triángulo amoroso. Éste expone a la homosexualidad, la cual continúa siendo un tabú en el 2014 y la bisexualidad mucho más, porque los dos géneros, tanto los heterosexuales como los homosexuales, piensan que la bisexualidad es una gran hipocresía".

"Lo que planteo personalmente en éste montaje es un amor absoluto, amplio, un amor total. En el que éstas críticas no caben en ese pequeño mundo, en ese recinto hermético, que los personajes tienen en esas cuatro paredes. El triángulo amoroso es muy interesante como tema, porque cuando escogí esta obra, anecdóticamente hablando, recordé cuando estaba muy pequeño, había un espacio televisivo que se llamaba "Cine Venezolano" y el cual, me era prohibido verlo por ser muy pequeño. En el mismo se presentaban varias películas y una era La Máxima Felicidad de Mauricio Walerstein; con Virginia Urdaneta, Marcelo Romo y Luis Colmenares. Luego vi un ciclo de venezolano, cuando comenzaba a ser adulto, en la Cinemateca Nacional y tuve la oportunidad de ver la película".

"Aquí entendí que esto era teatro y al comenzar a estudiar Artes Escénicas, ésta obra me volvió a sonar. Ésta pieza teatral, se montó en Venezuela por última vez, en 1983, con César Bolívar, Elba Escobar y Luis Colmenares, pero yo, tampoco la vi; me quedó rondando en mi universo. Ahora tengo la oportunidad de montarla, dirigirla, ya que soy un creador de gestaciones muy largas. Todos mis procesos  son muy degustados y lentos, porque me gusta vivir cada cosa que hago en el teatro".

"Comencé como actor y llené mis expectativas, luego pasé a productor, lo cual me hizo sentir un poco más como el padre de las piezas; me gusta mucho ese poder de tener todo bajo mi mirada. Y ahora estoy asumiendo mi rol de director, el cual es el más complicado, extenso y comprometido. Porque aunque suene un poco cursi, es como dar a luz".

Nelson Lechmann
Director
Como escoger la pareja, buscar el apartamento y comenzar a engendrar lo que viene, que es La Máxima Felicidad. Realmente me siento muy complacido de que Chocrón, haya sido quien me desvirgó teatralmente en la dirección".

Qué supone en éste montaje  el gran reto, desde el punto de vista actoral netamente puro...la escena y desde el punto de vista técnico... la puesta en escena?
"Ante todo, los actores en todas las obras de Isaac Chocrón, son la herramienta principal para lograr la acción. El actor, la palabra, el gesto, Chocrón maneja la palabra de manera maravillosa. Para mí es uno de los mejores dramaturgos que tiene Venezuela, su magia debe trascender a los actores. Ese don de la palabra, saber hablar, pronunciar, meditar, analizar. Porque las obras de Chocrón, no solo se quedan en una frase, su textos expresan mucha información, muchos conceptos. Se ha de buscar al menos uno de ellos, para proponer nuestra lectura o planteamiento escénico. Esto es clave, ya que éste impacto teatral debe llegarle al espectador. Para mí las piezas teatrales de Chocrón, son esencialmente actorales."

"Cuando quise abordar éste montaje pensé hacerlo bifrontal, porque deseaba que el espectador, fuese como las paredes, como paparazis, mirones o bougeurs. Ese que está espiando por una ranura, por el ojo de una cerradura a estos tres personajes. Y en algún momento, cuando comencé a hacerlo, consideré que se podían sentir incómodos, o tal vez querían participar en eso".


"En lo referente al abordaje técnico, juego mucho con mis creadores y realizadores, de iluminación, vestuario, de escenografía. En éste caso con: Gerónimo Reyes en colaboración con David Blanco, quienes lograron ésta iluminación. Son puros pesos pesados los que tengo atrás. Todos pensamos en Georges de La Tour, éste pintor francés que juega mucho con el claro oscuro.  Eso de una parte iluminada del rostro, otra oscura, como fases lunares. En las cuáles el espectador tiene que buscar el rostro, para captar esa escena, ese sentimiento que te transmite el actor".

"La iluminación es tan importante, en particular ésta es tan cálida, envolvente, que te sientes como tibio, como abrazado, partícipe de la acción. Conté por igual Con Raquel Ríos y lo que ella llama, el no vestuario. Para que éste no sea demasiado escandaloso, que no robe la atención. Porque todo está concebido para el beneficio del actor, al don de la palabra y al hacer. Buscando esa afinidad con el espectador.

Analizando el trabajo de dirección, de las obras vistas anteriormente por un servidor, en más de treinta años; he considerado que en lo referente a la dirección teatral, la memoria emocional no funciona solamente para hacer aflorar sentimientos muy íntimos o potentes, del elenco. A su vez, éstos pueden afectar personalmente a los actores y repercutir en el desarrollo de crear el rol. Si estás de acuerdo conmigo en éstos planteamientos... ¿Qué fue lo considerado en tu montaje?
"Me estas refiriendo a Stanislavsky y el método de Lee Strasberg, sobretodo en el primero, toda su teoría fue depurada, paulatinamente, siendo renuente en algunos aspectos. Como en el de entregarse al sentimiento cien por ciento; yo hablo siempre de una realidad escénica, de un naturalismo teatral. Sabemos que si estos personajes van a cocinar, ésta obra duraría, mucho más por el tiempo  real de cocción de los alimentos. Debemos entender en tal sentido, que existe una realidad escénica, que debe perforar nuestra cotidianidad".

"Tu mencionaste la entrega y el sentimiento del actor, yo no estoy de acuerdo jamás en la enajenación; por ello mis profesores de teatro, mis maestros del TNT, cuando yo estuve en 1987, me enseñaron unos recursos maravillosos y tenían un collage de enseñanzas: Stanislavsky, Jerzy Grotowski, Chejov, etc. Nos daban toda una serie de herramientas que podíamos utilizar a nuestra conveniencia. Pero tomamos lo que nos sirve, particularmente para mí el sentimiento por el sentimiento, me parece que es algo que agota al actor. Nuestras herramientas, han de ser por igual dúctiles, para interpretar, para la voz, para lo que sentimos. Que si bien nace de lo interno debe proyectarse para todos".


"Recientemente Gozalo Velutini, amigo y actor venezolano, me hizo un comentario de la gran actriz América Alonso, la cual refería que el actor de teatro siente, piensa y transmite. El actor de T.V., siente y piensa y el actor de cine, solamente siente. Esa magia o artificio del teatro está impulsada a su vez, por un espectador que se encuentra cerca en una función única e irrepetible".

Dentro de éste contexto, en lo referente a la construcción de la máscara actoral, la cual se nutre del anecdotario del dramaturgo y de la existencia del actor, la cual a través de una revisión en conjunto, se plasma al ser que toca representar en la escena...¿Cuándo descansa el gesto y en qué momento se ha de imponer la palabra?
"Esa palabra anecdotario, sin duda alguna es adorable. La primera herramienta que utilizamos es el texto, pasamos por las anécdotas del dramaturgo, las anécdotas del director y todo ello se va acumulando. Luego se incorporan las anécdotas del actor y esto se convierte en un monstruo de anécdotas, ahora... ¿Cómo lograr que nuestra más cara se proyecte?... Por ser éstas un cúmulo de sensaciones, energías y experiencia, las cuáles por pequeñas que sean, desde nuestra infancia nos nutren;  al realizar la escogencia de la obra, lo que representa un fin en si mismo, debe existir algo que nos atrape en ésta pieza, para que uno se convierta en su gran cómplice y a su vez, el actor se convierta en cómplice de éste aquelarre teatral, esto es lo que tu identificas como máscara teatral".

Sobretodo considerando que Chocrón en su dramaturgia era muy autobiográfico; analizando ese viaje de Chocrón a San Francisco en Estados Unidos, que inspiró ésta obra, me suscita una duda, siendo el dramaturgo que era, el cual se había confesado homosexual.  Incorpora la figura de la mujer entre dos homosexuales, que son pareja en el  primer tiempo de su existencia. Y que luego asumen su bisexualidad y de hecho, fecundan a ésta mujer, o al menos uno de ellos, pues no queda claro. ¿Será ésta una justificación de Chocrón para que la sociedad aceptase en su tiempo, ésta realidad  y poner  asi de manifiesto la expresión de su yo ?
"Que interesante lo que acabas de exponer, éste es uno de los personajes femeninos más trascendentes que tiene la dramaturgia de Chocrón, porque se defiende a capa y espada de su condición de mujer. Ésta obra fue escrita en 1974, nos muestra un personaje femenino el cual por momentos puede ser el símbolo de la mujer madre, que tiene temor a serlo. De alguna manera considero que la única diferencia que existe entre el hombre y la mujer, es que la mujer es la evidente que dá a luz y nosotros no. En la realidad tenemos formas de escape diferentes, pero en lo esencial somos lo mismo. Al presentarnos Chocrón, éste símbolo de la mujer madre, de la prostituta rescatada por éste micro mundo intelectual poético, de maestro y alumna, tiene demasiados matices: la edad de la mujer que comienza, complementando un triángulo de sensaciones. En el mundo de Chocrón, éste personaje femenino es una joya y lo lleva a cabo una gran actriz; Chocrón más que dramaturgo es un filósofo de la vida".


El teatro propone frecuentemente una dualidad: la del texto y la escena. Ésta dualidad debe ser a la vez unidad... ¿Cómo enfrentas éste reto en tu montaje, considerando el aspecto biográfico antes citado y hasta cierto punto, el reflejo de una visión de censura social que lo circunda?
"Mis productores IMAGE Producciones y Proyecto en Ebullición, tenían un problema de ver como hacíamos éste proyecto rentable por la censura. Fundamentalmente, debido a que las marcas, empresas, instituciones, etc.; al indagar de qué va la obra, al tocar el tema de la bisexualidad, abortaban la idea. Los productores han sido muy osados, primero al rescatar al teatro venezolano y darle ese empuje. Nelson Lechmann, ha tomado el texto de Chocrón y en algunos momentos he profanado sus indicaciones".

"Mi ejercicio como director propone a los actores una libertad medida, basándome en sus aportes y comentarios, acerca de su contracción del rol, se alimenta mi trabajo. Este se basa en cómo lograr sin traicionar todo lo que está diciendo Chocrón, en adecuar algunas indicaciones a nuestro tiempo, me propongo ser más directo y sensualista".

El dramaturgo para algunas de sus obras se inspira en el teatro francés, brindando al espectador, lo que se denomina "une trance de vie". Es decir darle al espectador la sensación de estar expiando los secretos de los personajes... ¿Crees que en  La Máxima Felicidad, esto está expuesto y de ser así, cómo te lo planteas?
"Sobretodo ésta obra es un pasaje en la vida de los personajes, no existe pasado o futuro, sólo el presente como tal. Éste transcurre desde las 6:00 p.m., hasta que se van a dormir. El espectador efectivamente es un espía de estas relaciones, de estos personajes. Siempre consideré que los actores han de sentirse que están solos... lo que llaman la cuarta pared; no hay nadie, solo su vida, su cotidianidad".

La puesta en escena, partiendo de un análisis de estimaciones eruditas, en referencia a la relación, entre texto dramático  y la puesta en escena, podría concluirse:
b)    Que no hace desaparecer al texto.
c)    Que no es elucubración o amplificación del texto.
d)    Que no está implícitamente en el texto.
e)    Que no es la realización caracterizada del texto.

¿Observando tales enunciados, cómo construyes, desconstruyes, e impones tu puesta en escena, ante el espectador?

"Todos los postulados son muy válidos, cada proceso es muy diferente, dependiendo del texto que te llegue. Existen por iguales, algunas concepciones de puestas en escena, que te llegan muy rápido. En otras, el texto las desconstruye y se descubren otros mensajes implícitos y secretos; y esto es muy importante que ocurra, porque te desarma a nivel intelectual. Creo que en el texto, en el caso de Chocrón, nos abre puertas y ventanas, cada vez más y más. Por lo cual en un momento sentimos la necesidad de cerrarlas, porque si no, todavía continuaría abriendo puertas. Tuve más bien que plegarme, para entender que mi idea y mi concepto, tenía que dibujar tanto el amor como la tolerancia y lograr que ello pueda convivir en un mismo espacio".


"Mis actores se convierten en instrumentos musicales, la mujer es un violonchelo, el hombre joven en un saxofón o guitarra eléctrica y el hombre maduro un violín; todo ello esboza mi lectura sensorial. La música inspirada por Nino Rota, realizada por Nacho Huett... no me permite limitarnos".

"Una persona que viene predispuesta o hermética a éste montaje, deja de evaluar que lo que está viendo es una pieza de relojería. Un reloj suizo, que si en algún momento pierde el ritmo, la obra cae y la gente no quisiera seguir expiando. Esto me permite descubrir hasta el fin de mis días en cada obra, algo más...sorprenderlos. Con Chocrón es un eterno descubrir, intento que el espectador salga haciéndose preguntas, no estoy buscando soluciones con nada de lo que hago. Deseo que el espectador busque reflexiones, que esa mente se active con éste momento mágico que uno le regala".

"El espectador se ha venido devaluando, en los 80 y 90 gracias a los festivales internacionales de teatro, el espectador tenía un criterio formado de gran trascendencia. Busco rescatar nuestro público de siempre y ganar nuevos espectadores jóvenes con criterio y análisis. La nueva situación del país, ha permitido la apertura de muchas salas de teatro, sin embargo en las mismas se presentan creadores  de la escena que buscan un dinero fácil, inmediato, efímero, vacuo. Lo que deseo es que el espectador salga con las inquietudes necesarias que le inviten a querer ver más... pero ver un teatro de calidad, de texto. Que lo hagan reflexionar, pensar, meditar, llorar, reír, gritar e incluso que se aburra; pero que salga preguntándose cosas".

¿Piensas que sea posible, según tus planteamientos, que logres alcanzar el reconocimiento, de un estilo o marca Nelson Lehmann en la Artes Escénicas?
(risas) "Eso suena un poco pedante, lo que deseo que quede muy claro, es que en todos mis montajes mi herramienta principal es el actor. Que la gente que viene a ver mi teatro sepa que el actor es lo más importante junto al texto. No pretendo escandalizar por escandalizar a través de recursos técnicos en la escena; no deseo caer en una banalidad creativa. Considero desde lo más interno de mi ser, que mis recuerdos, mis imágenes vividas, no me permiten divorciarme de lo contemplado. Estamos en unos tiempos tan cargados de la nada, que al pensar en el internet, en las redes sociales, tan extraordinarias para difundir forjar y educar, por igual te pueden hacer quedar en la nada, si no existe información valiosa. Si no hay profundidad, investigación o profundización del hecho teatral, que transmitir o exponer. Debemos evolucionar constantemente".

"En éste teatro, en el Santa Fe de Caracas, a partir de mi gestión como gerente cultural, voy a buscar ese equilibrio, entre la taquilla y la calidad interpretativa de un buen texto. Tenemos que darnos oportunidades nosotros mismos y no cerrarnos en un pequeño mundo teatral, que además es efímero, al ser tan inmediatista o de mínimo tenor".

¿Cuáles  fueron tus valoraciones desde el punto de vista de técnica vocal, para abordar ésta obra de Chocrón?
"En primer lugar, busco profesionales reconocidos en la escena, en el caso de Jornell Ariza, fue triunfador de un casting muy exhaustivo, consideré que tenía eso que llaman "Angel Teatral". Lo cual sabes que eso dura de 3 a 4 minutos en la escena, y luego hay que fajarse como actor. En el trabajo vocal, lo primero que debo acotar es que soy un amante de decir  bien, de pronunciar, ya que soy locutor. En los tonos de voces de éste elenco, cuando veas la obra, identificaras su orquestación. La voz de Gonzalo Cubero, que puede ser muy áspera; la de Mayte que es como aflautada y la de Jornell, que es muy rocosa, cavernosa... se logra un efecto importante. En cuanto a los tonos, al manejar la verdad o la mentira teatral, el actor debe lograr que se escuche y que al mismo tiempo, se entienda lo que dicen".

Finalmente a modo de conclusión, el público de nuestro país ha variado, como han variado los creadores de la escena. La gente hace cualquier cosa para decir que hace... ¿Cómo concluyes sobre el teatro de hoy en día?
"La magia teatral debe volver a la escena, el teatro es un templo y aunque esto se haya dicho, no deja de ser verdad, no permito que nadie lo mancille. No sé si Chocrón habrá vivido un menage a trois, yo tampoco lo he vivido. Con ésta pieza lo que pretendo, es que la gente vuelva a darle su abrazo conciliador al teatro. Que nos haga abrir los ojos a viejas o nuevas experiencias, a cualquier experiencia. Porque últimamente en Venezuela, estamos colmados de negaciones, de la nada. Estas piezas teatrales son como un oasis, que aspiro vengan todos a descubrir. Y que todos nosotros, logremos conseguir un poquito de La Máxima Felicidad...

La Máxima Felicidad, en temporada desde el 31 de mayo al 27 de julio, los sábados a las 8pm y los domingos a las 6:30pm,
Dirigida por Nelson Lehmann
Interpretada por: Mayte Parias, Gonzalo Cubero, Jornell Ariza

LUGAR: Espacio Creativo del Teatro Santa Fe, Torre Colegio de Médicos de Caracas. Urbanización Santa Fe.
TEMPORADA: del 31 de mayo al 27 de julio
HORARIOS: Sábados 8pm y Domingos 6:30pm.
http://www.youtube.com/watch?v=mcGvH1xSZmw
https://www.facebook.com/events/786801211336906/?fref=ts
En Facebook: Proyectos En Ebullición, A.C. /  Image Producciones
En Twitter: @P_Ebullicion / @ImageClassP




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FUENTE

Lic. Julio C. Alcubilla B.- Artes Escénicas
RecordReport en THP



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